Die Malerin und der Dichter – eine vielversprechende Komposition und in der heutigen Zeiten nicht mehr so alltäglich.  Karin Goeppert, die Malerin, und Kenneth Burns, der Dichter, sind seit nunmehr 32 Jahren verheiratet und beweisen, daß  Kunst auch zusammenschweißt.

Zeitgemäßer Ausdruck und Zeichen in der Öffentlichkeit ist ihr gemeinsamer blog karingoeppert.blogspot.com .  Den  Sinn dieses blogs beschreibt Karin Goeppert wie folgt: „ Mein Mann, der Gedichte schreibt und ich haben uns entschlossen, in einem blog Bilder, Gedichte, Musik zu teilen. All das, was uns gefällt oder uns bemerkenswert erscheint.“

Karin Goeppert wurde 1955 in Bad Mergentheim geboren. Mit 15 Jahren begann sie sich für die Malerei zu interessieren. Eigentlich wollte sie aber damals Schriftstellerin werden. Sie las viel und schrieb auch Kurzgeschichten. Am Ende behielt die Malerei die Oberhand.

Auf ihrer Homepage   www.karingoeppert.com beschreibt sie ihre Maltechniken  wie folgt:  „Meine Motive sind durch reale Landschaften inspiriert oder entspringen meiner Phantasie. Die abstrakten Arbeiten male ich überwiegend als mixed-media-Bilder. Ich kombiniere dabei Acrylfarben  mit Ölfarben und Ölpastellen. Zusätzlich verwende ich solche Medien wie z.B. Graphit, Kohle, Moltofill, Sprühfarbe und sogar Kaffee.

Für die halbabstrakten und mehr gegenständlichen Arbeiten verwende ich Künstlerpastellkreiden auf einem selbst hergestellten Untergrund oder auf speziell für Pastellkreiden hergestelltem Sandpapier.“

Karin Goeppert mag die Kunst auch aus folgendem Grund: „Das Leben hat so viele Einschränkungen und nur die Kunst gibt mir fast absolute Freiheit. Die Freiheit mit Formen und Farben zu experimentieren.“

Mehr über Karin Goeppert ist auch unter     https://karingoeppert.jimdo.com/l-i-n-k-s/  zu erfahren.

Doch genug der Worte gewechselt. Lasset uns nun gemeinsame Taten, sprich Bilder sehen.

Wie immer ist es meine willkürliche Auswahl (bitte immer die Bilder anklicken, um sie zur vollen Entfaltung zu bringen):

Nicoleta Albei-Wigger  lebt seit 20 Jahren in Berlin und ist hier als freischaffende Künstlerin tätig. Ihre Acrylbilder sprechen über die Bewegungen des Lebens und die Menschen. Ihre Kunst ist es, Bilder zu malen, die aus ihrer Gefühlswelt heraus entstehen und so als schrittweiser Prozess ein stimmiges Gesamtkunstwerk ergeben. Hierbei entstehen Farbexplosionen von dunklen und strahlenden Tönen, welches den Reiz ihrer Kunstwerke ausmacht.

Auf ihrer Homepage  www.nicoleta-art.de  hat sie folgenden Spruch festgehalten:

Bilde, Künstler! Rede nicht!
(Goethe)

Übersetzt heißt das:  Lasse Deine Bilder sprechen.

Für die Künstlerin  gilt noch eine andere Maxime: Kunst ist mein Leben, mein Leben ist Kunst!

Was sie darunter versteht, hat sie in einem Interview  erzählt. Dieses Interview ist  unter   https://www.artvergnuegen.com/artist/show/153#anchor-interview nachzulesen.

Bei Nicoleta Albei-Wigger habe ich es als anregend empfunden, daß sie sich gemeinsam mit ihren Werken präsentiert. Sie lenkt damit nicht von ihren Bildern ab, sondern beweist, wie sehr sie sich mit ihnen identifiziert.

Schauen wir gemeinsam auf eine Auswahl dieser persönlichen Präsentationen:

Aber die Werke wirken auch ohne die Künstlerin:

Ich mag die Mischung.  Das betrifft bei den Künstlern ihre unterschiedlichen Maltechniken, und ich schätze es, wenn ich  solche Maler vorstellen darf, die noch nicht allzuviel Bilder gemalt haben und noch nicht auf vielen Ausstellungen ihre Bilder gezeigt haben. Gemerkt habe ich, daß allesamt sehr dankbar sind, wenn sie vorgestellt werden.

Das trifft auch auf Hjördis Tomalik zu, auf die ich zunächst aufmerksam wurde, als sie mir gemeinsam mit ihrer Facebook-Freundschaftszusage diesen Panther schickte:

Wohnhaft ist sie in Delmenhorst. Dieser Ort ist mir bekannt durch die Sängerin Sarah Connor. Und ich habe dort auch mal in einem Hotel genächtigt, gewissermaßen auf der Durchreise von Neuruppin nach Mönchengladbach oder so. Da fehlt mir schon die Erinnerung.

Hjördis Tomalik bezeichnet sich selbst noch als Newcomerin. Die Ölmalerei hat sie sich selbst beigebracht und war fast erstaunt, aber auch erfreut, als sie für ihre ersten Bilder öffentliches Lob erhielt. Und noch mehr freute sie sich, als sie nun ihre erste Ausstellung in Delmenhorst machen durfte.

Allen Künstlern aber kann ich nur raten, ihre Werke nicht nur auf Facebook vorzustellen, sondern sich eine eigene Homepage anzulegen. Das ist dann gewissermaßen eine feste Größe, die nicht durch tausend neue Facebook-Meldungen verdrängt wird.

Hjördis Tomalik hat das erkannt, und stellt sich auf ihrer Homepage  www.hjoerdis-tomalik.de  vor.

Gemalt hat sie schon in ihrer Kindheit, und da bereits vor allem Tiere. Und diese Liebe blieb. „ Es geht mir darum, die Schönheit und Reinheit der Tierwelt zu zeigen und darzustellen“, erklärt sie ihr Mal-Ziel. In der Regel malt sie Bilder in der Größe von 100 x 100 cm und allesamt in Öl. „ Ich male nach Fotos, die mich ansprechen. Ich möchte die Seele der Tiere darstellen, ihre Spiritualität. Tiere sind schützenwert und brauchen Lebensraum. Wir Menschen nehmen den Tieren immer mehr Raum. Diesen Raum gebe ich ihnen mit meinen Bildern“.

Schauen wir nun gemeinsam auf eine spontane Auswahl ihrer Bilder:

Manche Künstler nehmen den Betrachter mit ihren Werken sofort für sich ein. So geschah es mir mit Maximilian Lochner. Nicht jeder wagt sich so wie er an Porträts, obwohl sie sicher gern bestellt, gewünscht werden und oft das Ego des Abgebildeten streicheln.

Und es ist dann ganz konkret und als Außenstehender ist man glücklich, wenn man ihn oder sie sofort erkennt. So erging es mir beispielsweise mit Udo Lindenberg. Kein Wunder, denn er ist eben unverwechselbar, in Gestus und Gesang. Und nicht zuletzt mit seinem Song „Sonderzug nach Pankow“ hat er mich gerade zu Zeiten des Eingemauertsein emotional berührt. Immer wenn ich durch Pankow, einen Ostberliner Stadtbezirk, fuhr, mußte ich an ihn denken. Vor einigen Wochen sah ich im Fernsehen einen „Ritt“ durch das Leben von Udo Lindenberg, der schon immer ein politischer Mensch war und zudem einer, der die Massen begeistert.

Diesen Udo Lindenberg hat also Maximilian Lochner porträtiert:

Udo Lindenberg kennt man, doch wer ist Maximilian Lochner? Am besten, wir lassen den in Markt Garmisch-Partenkirchen lebenden Künstler selbst sprechen:

Weit über 40 Jahre begleitet mich in meinem Leben nun schon die Malerei mit vielen Varianten. Es gibt fast nichts, was ich noch nicht ausprobiert habe.

Im Alter von 12 Jahren hat alles mit dem Malen nach Zahlen (ein alter Bauernkopf mit Pfeife) angefangen. Im Anschluß versuchte ich alles so gut wie möglich abzuzeichnen und schulte damit mein Auge und das Erkennen von Proportionen.

Während meiner Bundeswehrzeit eignete ich mir verschiedenste Techniken mit unterschiedlichsten Materialien an. Dabei spielte auch das Thema Karrikatur eine große Rolle. Dies half mir bei der Entwicklung meines Einfallsreichtums und meiner Fantasie. Das in Zeichnungen und Bilder umzusetzen, machte irrsinnig viel Spaß.

Dabei entwickelte ich beim Umgang mit der Farbe und dem Motiv mein Selbstbewußtsein. So entstand die „MUT ZUR FARBE“ – Malerei, die ich bis heute behalten und kontinuierlich weiterentwickelt habe.

In den 80er Jahren beschäftigte ich mich hauptsächlich mit Textildesign, entwarf und produzierte fast für die gesamte Skibranche und viele Sportartikelhersteller Werbe-T-Shirts mit individuellen Motivdrucken. So gehörten Rossignol, K2, Tyrolia, Sport Scheck, Blizzard, Save the Earth, Salewa uvm. zu meinen Kunden.

Parallel dazu stellte ich individuelle Mode für Freizeitsportler her. Aus außergewöhnlichen Materialien sowie handbemalt mit diversen Motiven produzierte ich Jacken, Hosen und Shorts.

Anfangs noch Einzelstücke, wurden es Anfang der 90er Jahre ganze Kollektionen und Designlinien, woraus letztlich mein eigenes Mode-Label „Max Mad House“ entstand.

Nach dem Verkauf des Labels im Jahr 1996 konzentrierte ich mich ausschließlich wieder auf die Malerei und begann intensiv meine Techniken zu vertiefen und zu verbessern.

Seit 2000 stelle ich meine Bilder in Ausstellungen im In- und Ausland aus und arbeite mit diversen Galerien zusammen.

Seit Januar 2015 arbeite ich in meinem neuem Atelier in Garmisch-Partenkirchen. Hier gehe ich fast täglich meiner Leidenschaft, der Malerei,  nach und stecke bis zum Hals in meinen Farbtöpfen.

Über angemeldeten und unangemeldeten Besuch in meinem Studio freue ich mich sehr.

Ihr Lomax´58

Maximilian Lochner

(mehr zum Künstler ist auf seiner Homepage  www.lomax58.com   nachzulesen und nachzuschauen).

Lassen Sie uns nun einen Blick in das Schaffen von Maximilian Lochner werfen, sowohl auf die Gemälde als auch auf Liveauftritte, d.h. das Malen direkt vor Publikum.

Wie immer bei „meinen“ Künstlern ist es meine subjektive Auswahl:

Ausgeprägte Individualität und die magische Welt der Farben prägen das Leben und die Kreationen der Künstlerin & Designerin Ines Wiese.

Ob auf der Leinwand oder als Kern ihres unverwechselbaren Modestils: Farben müssen intensiv, explosiv und wagemutig sein – die Farbsymphonien sind Ausdruck ihrer Passion für das Besondere.

Ines Wiese lebt und arbeitet als freischaffende Künstlerin seit vielen Jahren in Hamburg. Hier entstehen die einzigartigen, wunderbaren Synergien zwischen Innovation, Farben und Formen. Geprägt von Intuition, Fantasie und Herz, fernab jeglicher Trends oder saisonaler Abhängigkeiten, lassen ihre Werke die unerschöpfliche Neugier ihres kreativen Wesens und ihre grenzenlose Energie erkennen.

Selbst über die Grenzen Deutschlands hinaus genießt die Künstlerin in Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen sowie auf zahlreichen Kunst- und Modemessen große Aufmerksamkeit. Mehrfach wurde sie bereits vom Europäischen Kulturkreis ausgezeichnet.

Ihre aktuelle Ausstellung „Art4 Fashion“ läuft seit dem 14. April 2017 und noch bis zum 5. Juli 2017 in Timmendorfer Strand.  Dort betreibt Anja Es (www.anja-es-kunst.de) seit vielen Jahren eine Galerie in allerbester Lage in der ehemaligen Trinkkurhalle Timmendorfer Strand. Genau da paßt das spannende Konzept  von Ines Wiese, Kunst & Mode zu vereinen, bestens hin,  denn es ist etwas anderes als eine normale Ausstellung – etwas Außergewöhnliches.

Worin liegt das Besondere dieser Ausstellung?

Während andere Designer Geschichten erzählen, erzählt Ines Wiese ihre Bilder. Sie macht Kunst zur Mode. Aus  den Motiven ihrer Bilder – Acrylmalerei auf Leinwand – läßt sie  farbenprächtige, zeitlose und individuelle Kleider auf edler Seide anfertigen – jedes Design ein Unikat!

Sowohl ihre Kunstwerke als auch ihre Mode Prints sind Ausdruck purer Lebenslust und Freude.

Entsprechend spektakulär war auch die Vernissage am 23. April 2017. “ Es war eine tolle ART-Show – eine Performance aus Malerei, Mode und Musik“, schwärmt Ines Wiese.

Für die Musik sorgte am Klavier mit Schwung und Elan Christoph Wiatre (www.christoph-wiatre.de).

Schauen wir uns die Fotos  der Vernissage an (und immer die Bilder anklicken, denn dann entfalten sie ihre ganze Pracht auf dem Bildschirm):

Die Künstlerin & Designerin Ines Wiese während der Vernissage

Kleider und  Gemälde bilden eine Symbiose

Die ART Fashion Kleider wurden präsentiert von den bezaubernden Models:

Angelique Keller https://www.facebook.com/angelika.keller.model

Cody Anglin https://www.facebook.com/cody.anglin.37

Sainabou So https://www.facebook.com/profile.php?id=100006280623881

Janna Wiese https://www.facebook.com/janna.wiese

und Kathrin Skowronek:

Grafitti-Kunst und Mode

Mehr über  die   Künstlerin & Designerin Ines Wiese  kann man  auf ihrer Homepage www.ineswiese.de   oder ihren lebendigen Seiten auf  https://www.facebook.com/artdesign.wiese?fref=ts     und   https://www.facebook.com/ineswieseartdesign    erfahren.

Vor einiger Zeit habe ich die Malerin Silvie Höllstin unter

http://www.petergrau- leichtathlet.de/?p=5804      auf meiner Homepage vorgestellt.

Seitdem habe ich mit Freude verfolgt, wie sie immer neue Werke ins Netz gestellt hat. Auf das heutige Foto hätte ich gern verzichtet:

Knock out überschrieb sie es. Die guten Wünsche für  eine schnelle Genesung häuften sich bei ihren Facebook-Freunden.

Sind Freunde in Schwierigkeiten, dann muß man sie unterstützen, so gut man kann.

Ich möchte das, indem ich einige ihrer Werke bzw. Werke im Entstehungsprozeß aus der letzten Zeit anschließend vorstelle. Mögen sie den Heilungsprozeß beschleunigen!

Bei manchen Künstlern fällt es mir leicht, sie auf meiner Homepage vorzustellen. Wann? Wenn sie selbst über sich und ihre Werke reden und schreiben.

So geht es mir auch mit Bettina Breitkopf.

Auf ihrer Homepage http://www.totalbunt.de  hat  sich Bettina Breitkopf  selbst so vorgestellt:

„ Die Welt hat eine Farbe: totalbunt. Und so male ich die Freiheitsstatue, den Eiffelturm, den Reichstag usw., am liebsten in dieser einen Farbe: totalbunt!  Als Rheinländerin und „rheinische Frohnatur“ male ich vor allem den Rhein „rauf und runter“. Meiner Heimat und den alten Märchen, Bauten, Landschaften und Denkmälern  möchte ich meine Farben geben. Ich stelle sie gerne in „totalbunt“ dar, poppig und farbenfroh.

„totalbunt“ bedeutet für mich:

Die Farben müssen sich gegenseitig zum Leuchten bringen. Letztendlich soll das Bild leuchten, wie eine Bleiverglasung, als würde das Licht von hinten durch fallen.
Bei Landschaften oder Gebäuden lege ich darauf Wert, daß der realistische Farbton, d.h. die Farbe des echten Motivs, erhalten bleibt, damit das Motiv sofort erkennbar ist. Natürlich muß diese „echte Farbe“ nicht allein stehen, sondern kann mit anderen Farben z.B. „kariert“ werden. Bauwerke, wie beispielsweise der Kölner Dom, werden von mir meist in den ihnen eigenen Farben dargestellt, tagsüber ein mattes graubraun, abends beleuchtet in Grün-und Türkisschattierungen.

Mein großes Vorbild Andy Warhol sagte einmal: „Mein künstlerisches Konzept ist, daß ich keines habe“. Das trifft auch auf mich zu, abgesehen davon, daß meine Bilder leuchten sollen, auffallen, vor allem gute Laune und Optimismus verbreiten sollen. Die Welt ist bunt und meine Bilder sind es auch.

Nachdem mich auf einem meiner Streifzüge am Rhein entlang die Loreley-Statue in Sankt Goarshausen faszinierte, malte ich sie auf verschiedene Art immer wieder neu und entwickelte daraus eine kleine Comic-Geschichte. Zu diesem Zeitpunkt entdeckte ich meine Vorliebe für historische Denkmäler und Statuen, die ich in totalbunt und modern darstelle. Es folgten viele, wie „Beethoven“, der „Rolandsbogen“ und natürlich der „Drachenfels“ u.s.w… Meine Lieblingsmotive finde ich nicht nur in meiner nächsten Umgebung. Auch der Eiffelturm, die Golden Gate Bridge, die Freiheitsstatue, die Skyline von Houston, wie auch Hamburg, Düsseldorf, Heidelberg usw. gehören dazu.

Da mir das Malen nur auf Keilrahmen nicht abwechslungsreich genug war, entdeckte ich meine Vorliebe für „3-D-Bilder“. Diese Bilder bestehen aus Trägerplatte und ausgeschnittenen Dibond-Elementen, die mit Super-Haft-Dichtungsmasse auf Abstand aufgeklebt werden. Ebenfalls gefragt sind meine 3D-Cities. Das sind Bilder auf Papier, ausgeschnitten und in Lagen auf Abstand in Objektrahmen gebannt.  Ebenfalls im Repertoire habe ich Porträtbilder,  anders als üblich gemalt. Ich nenne sie Mosaikbilder. Sie bestehen  komplett aus kleinen Sternen, Kästchen o. ä. Ebenfalls ein Renner: Strassbilder funkeln und blitzen je nach Lichteinfall.“

Soweit die Künstlerin Bettina Breitkopf, und sie hat damit schon aufgezeigt, wie groß die Palette ist, die sie anbietet. Dabei hat sie noch nicht einmal erwähnt, daß sie auch das Kinderbuch „Jojo, die Musikspinne“ geschrieben und illustriert hat. Und auch nicht erwähnt wurde, daß sie Kurzfilme produziert.

Schauen wir wie gewohnt auf meine willkürliche, subjektive Auswahl  (und immer schön die Bilder anklicken, denn dann ist der Bildschirm voller Farbe – eben totalbunt!):

Das war nur ein kleiner Ausschnitt ihres künstlerischen Schaffens. Viel mehr ist auf der Homepage von Bettina Breitkopf unter http://www.totalbunt.de  zu sehen.  Wer Farbe liebt, wird sich dort wohlfühlen.

Peter Grau

Njörn Unaveus – schon der Name hört sich etwas außergewöhnlich an. Und auch seine Malkunst kommt nicht alltäglich daher.

Wie die aussieht, deutet er auf seiner Homepage www.unaveus.de  selbst so an:

„ Wenn ich in mein kleines Atelier gehe und mein Maleisen oder Malpen in die Hand nehme, tauche ich in eine andere Welt ein. Eine andere Welt im wahrsten Sinne des  Wortes, denn die Maltechnik Encaustic blickt auf eine 3000jährige Geschichte zurück. Diese „andere“ Welt ist natürlich anders, als die, die  mich umgibt. Auch anders als meine innere Welt. Sie ist auch keine Mischung aus beiden. Diese „andere“ Welt ist so real wie das Materielle und frei, wie der Gedanke und der Traum. Trotzdem ist es auch ein Zusammenspiel. Die schöpferische Energie bekommt unbegrenzte Möglichkeiten. Stellen Sie sich vor sie könnten durchs Universum reisen und fremde Planeten besuchen.“

Soweit seine eigene Aussage, aber die läßt noch vieles offen. Es bleibt vor allem hängen: die Maltechnik Encaustic.

Was ist Encaustic?

Die Encaustic – Malerei ist sehr alt. Diese spezielle Wachsmaltechnik wurde bereits von den Griechen, Römern und Ägyptern angewandt, blickt also auf eine 3000 jährige Geschichte zurück. In der griechischen Antike und im alten Ägypten zur Zeit des Pyramidenbaus (Mumienportraits) erlebte die Malerei mit heißem Wachs Blütezeiten. Das Wort Encaustic stammt aus dem Griechischen und bedeutet soviel wie „Einbrennen, mit Feuer erwärmen“ und beschreibt eine Maltechnik, bei der buntes Wachs durch glühendes Eisen erhitzt wird und dauerhaft auf einen Malgrund wie z.B. Gips, Leinwand und Holz aufgebracht wurde. Heute wird mit Hilfe eines bügeleisenförmigen Maleisen, einem lötkolbenartigen Malpen und auch einem Borstenpinsel geschmolzenes Wachs auf einen Malgrund, wie etwa einen speziellen Karton und auf Leinwand, aufgetragen. Njörn Unaveus malt inzwischen nur noch auf Leinwand.

So sieht sein Handwerkzeug aus (bitte anklicken):

Doch zunächst wollen wir uns dem Künstler selbst nähern.